Bloc-notes | Arts plastiques

Depuis deux jours sur les réseaux sociaux, je découvre des images inspirées d'une même peinture. Ce n'est qu'aujourd'hui que je découvre l'origine de ce motif.

La presse espagnole a révélé mardi l'altération scandaleuse d'une peinture murale décrépie représentant le Christ d'Elias Garcia Martinez à Borja (province de Saragosse). Ce lamentable avant-après fait rire jaune toute l'Espagne.
Le sacrilège a été découvert lors d'un inventaire des œuvres religieuses de la ville, selon le Huffington Post. La personne derrière la rénovation improvisée serait une voisine octogénaire de l'église, une âme dévouée qui s'est lancée de son propre chef à l'assaut de cette restauration. Une étude est en cours pour examiner les dommages et leur éventuelle réversibilité.

Rendez visible le son.
Usez des rapports entre la forme et la couleur, de la valeur expressive des formes et des couleurs et de leurs combinaisons.

Références artistiques :
Steina Vasulka (né en 1940) et Woody Vasulka (né en 1937). Sound Size (1974) donne à entendre des sons électroniques répétitifs qui génèrent, par un processeur à balayage, des géométries dans l’espace.
Nam June Paik (1932-2006). My jubilee ist unverhemmet (1977), marqué par l’influence de John Cage, développe un vidéo-synthétiseur qui crée des images produites par le son.

Et maintenant silence...

Joseph Beuys, Plight, 1985
284 rouleaux de feutre, un piano à queue, un thermomètre médical, un tableau noir,
310 x 890 x 1813 cm. Chaque rouleau : 145 x 160 x D. 30/40 cm.

Deux salles disposées en L occupent un vaste espace du Musée. Mais le spectateur doit se courber pour pénétrer dans ce lieu clos. Immédiatement, il est saisi par le contraste acoustique et thermique avec les salles environnantes. Tous les bruits sont assourdis par les 284 rouleaux de feutre qui tapissent les murs. Cette volonté de construire un espace silencieux est à l’origine de l’œuvre. Lors de la création, dans une galerie londonienne, Beuys avait promis au galeriste de réaliser une œuvre qui oppose le silence aux bruits des travaux d’un immeuble voisin. Dans l’espace « feutré » et assourdi, un piano à queue fermé trône. Un tableau noir est posé dessus, et les portées musicales vides renforcent encore le silence. La température, stable, à 37°, est celle du corps et elle renvoie au pouvoir calorifique du feutre. « Le feutre, dit Beuys, figure comme un élément de chaleur ou comme un isolateur, souvent utilisé en même temps que la graisse. » Dans cet univers parfaitement artificiel, protecteur et coupé du monde, la présence du piano est incongrue. Elle renvoie à la potentialité du son, de même que la partition muette ; on en vient à songer à ce que pourrait être une musique sortie de ce piano dans une atmosphère définitivement incapable de la réverbérer.

Le spectateur, blotti dans ce silence, se trouve en situation d’écoute. Mais ce qu’il entend, c’est son propre corps, comme dans l’expérience faite par John Cage dans une chambre anéchoïque en 1951 : « Même quand le silence techniquement le plus parfait peut être obtenu, je perçois au moins deux sortes de sonorités : mon sang circule, mon système nerveux fonctionne. J’avoue, par mon corps, que le silence « absolu » n’existe pas ».

Silence et son vont de pair dans d’autres œuvres de Beuys : citons Infiltration homogène pour piano à queue, 1966 (collection Mnam, Paris), où le piano rendu définitivement muet par son enveloppe de feutre dit néanmoins la souffrance par la croix rouge tracée sur son flanc. L’alternance inquiétante et brutale de sons et de silences était donnée par une autre pièce, Coyote (une action présentée pendant une semaine à New York en 1974) ; elle mettait en scène la « sculpture en sons » ; au cours de ce rituel entre l’homme et l’animal enfermés ensemble, il n’y avait que deux sortes de sons : trois coups secs frappés sur un triangle, suivis de dix secondes de silence, puis de l’explosion d’un hurlement de turbines pendant vingt secondes.
(source www.centrepompidou.fr : dossiers pédagogiques, collections du musée, œuvres sonores et plastiques)

L'artiste peintre américain Cy Twombly est décédé à Rome à l'âge de 83 ans. Hospitalisé il y a quelques jours, le peintre qui vivait en Italie souffrait depuis plusieurs années d'un cancer. Artiste secret, partagé entre l'Italie et son Amérique natale, Cy Twombly, a pris place parmi les plus grands de l'art abstrait du XXème siècle. Il était notamment célèbre pour ses toiles aux traits nerveux. Né en 1928 aux USA, il s'était installé depuis plus de 50 ans en Italie.

Untitled, Cy Twombly, 1970.
Oil-based house paint and crayon on canvas, 13' 3 3/8" x 21' 1/8" (405 x 640.3 cm). Acquired through the Lillie P. Bliss Bequest and The Sidney and Harriet Janis Collection (both by exchange).

La Fontaine de cuivre, Jean-Baptiste Siméon Chardin, 1733-1734, Musée du Louvre, Paris

Peinte au plus tard en 1733, La Fontaine de cuivre est une des plus extraordinaires compositions de Chardin. En effet, il ne s’agit sans doute pas d’une étude pour Une femme tirant de l’eau à une fontaine ou La Femme à la fontaine (Stockholm, Nationalmuseum). L’artiste traite de ce sujet prosaïque comme on le ferait d’un portrait. La mise en page est très sobre. La fontaine se détache, monumentale, sur le mur et le sol gris où l’ombre portée matérialise l’espace tout en le resserrant. Tout détail superflu est supprimé, seules les formes et les tonalités chaudes ou plus sombres s’équilibrent et se répondent grâce aux objets posés à terre : un poêlon à longue queue appelé cassotte, un seau d’un brun plus terne, une cruche de terre et surtout le petit couvercle de cuivre posé un peu en avant.

Le gobelet d'argent, Jean-Baptiste Siméon Chardin, 1768, Musée du Louvre, Paris

Douze autres tableaux de Chardin décrivent ce gobelet d'argent dont l'artiste s'est attaché à traduire les reflets. La composition est caractéristique des œuvres tardives du peintre, de plus en plus dépouillées.

Montrez qu'un objet banal du quotidien (ou un élément naturel) peut devenir artistique :
- La première réalisation montre l'objet dans son contexte (ex : dessin d'observation) ;
- La seconde montre l'objet devenu artistique.

Programmes : L'objet dans la culture artistique. Il s'agit de traiter la question du statut de l'objet, lequel peut être artistique, symbolique, décoratif, utilitaire ou publicitaire, et notamment de découvrir la place de l'objet non artistique dans l'art (papiers collés, objets naturels ou manufacturés, détournés.

Proposez un moyen plastique pour représenter, figurer la temporalité dans l’œuvre. 

1/ Réalisez un vidéogramme de 15 secondes - votre corps emplit le maximum de l'espace filmé. 
2/ À partir de vos images filmées, restituez, transformez vos 15 secondes en une seule image papier. 

(1 caméscope numérique, des feuilles au format raisin et les outils habituels)